Jeff Sagansky, ein Medieninvestor und -produzent und ehemaliger Top-Entertainment-Manager, schlägt Alarm wegen der negativen Auswirkungen, die das jetzt vorherrschende „Kosten-Plus“-Geschäftsmodell auf die Gewinnbeteiligung hatte. Das System, das ursprünglich von Netflix eingeführt und später von den meisten großen Streamern und Fernsehstudios übernommen wurde, kehrt eine jahrzehntelange Praxis um, bei der überragende Talente in Hitserien großzügig mit einer Kürzung der Gewinne belohnt werden, die jahrzehntelang Einnahmen generieren nach der Erstellung der Show.

In einer glühenden Rede im Rahmen einer NATPE-Veranstaltung am Mittwoch malt Sagansky ein düsteres Bild davon, was kommen wird, wenn sich niemand gegen das neue Paradigma stellt, einschließlich verheerender Buyout-Prämien und verschwindender Großverträge, und gibt einen Schlachtruf für Produzenten und Autoren ab Schauspieler und Agenten, zum Justizministerium und zum Kongress zu gehen, „um gegen dieses wettbewerbswidrige Verhalten zu argumentieren“, um „gleiche Wettbewerbsbedingungen zu schaffen“, wie es die Regierung 1970 mit der Verabschiedung der Fin-Syn-Regeln tat. Sie müssen dies ohne ihren wichtigsten Verbündeten tun, da „die Verbindung zwischen Produzent und Studio … unwiderruflich gebrochen wurde“.

Während die Frustration in der kreativen Gemeinschaft wächst, die privat den Niedergang traditioneller Backend-Deals beklagt, ist dies das erste Mal, dass ich eine prominente Persönlichkeit der Branche öffentlich – und sehr unverblümt – gegen das neue System zur Vergütung von Talenten ansprechen sehe Dies ist eine „faule Zeit, um ein Produzent zu sein, wenn es darum geht, für die Arbeit, die Sie leisten, fair bezahlt zu werden“, und deutet auf eine mögliche Absprache zwischen den Studios und Streamern bei der Durchsetzung des Modells hin.

In der Ansprache verwies Sagansky, ehemaliger Präsident von CBS Entertainment und Sony Pictures Entertainment sowie ehemaliger CEO von TriStar Pictures und Paxson Communications, auf die „brutal unfairen“ und „lächerlichen“ Deals, die Autoren, Regisseure, Produzenten und Schauspieler „unterschreiben müssen“. .“ Die Deals, die unter anderem von Netflix, Amazon, Disney und Warner Bros. eingesetzt werden, ermöglichen es, dass Shows, die heute erstellt werden, in 50 Jahren weiterleben, „lizenziert und neu lizenziert und in jeder Ecke der Welt auf eine Weise gesehen werden können, die der digitalen Revolution entspricht macht jetzt möglich“, aber die Schöpfer und Produzenten dieser Shows „werden nur einmal im Voraus bezahlt – 10 oder 20 % mehr als Ihre übliche Produzentengebühr und würden nie wieder für all diese Milliarden von Aufrufen, all diese Einnahmen aus der Neulizenzierung und all das bezahlt werden eingebettete Werbeeinnahmen.“

In Anbetracht der Explosion von Originalprogrammen in den letzten zehn Jahren auf geschätzte 220 Milliarden US-Dollar an globalen Ausgaben für Inhalte und 560 Drehbuchserien im Jahr 2021 allein auf US-amerikanischen Plattformen: „Dies sollte die größte Zeit in der Geschichte unseres Unternehmens sein, um ein Produzent zu sein, “, sagte Sagansky. Aber „in meinen 47 Jahren in unserem Geschäft glaube ich nicht, dass es eine schlechtere Zeit gibt, um ein Produzent zu sein, wenn es darum geht, für die Arbeit, die man leistet, fair bezahlt zu werden“, sagte er und fügte hinzu, dass sich die Kommentare auf alle darüber erstrecken Linientalent.

Später ging er noch weiter und sagte: „Wir befinden uns in einem goldenen Zeitalter der Content-Produktion und im dunklen Zeitalter der kreativen Gewinnbeteiligung.“

Sagansky nannte die aktuelle Situation einen Fall, in dem sich die Geschichte wiederholt, und erklärte, wie wir hierher gekommen sind. In den Anfängen des US-TV-Geschäfts in den 1950er und 1960er Jahren lagen die Urheberrechte an Fernsehsendungen bei den Studios und Produzenten, aber die Sender – damals nur 3, ABC, CBS und NBC – beherrschten 90 % der Nebenwirtschaft .

„Aus Verzweiflung gingen die Produzenten und Studios gemeinsam zum Kongress, zum Justizministerium und zur FCC, um gegen dieses erzwungene wettbewerbswidrige Verhalten der Sender vorzugehen, und sie hatten großen Erfolg“, sagte Sagansky. 1970 verabschiedete die FCC die Financial Interest and Syndication (fin-syn) Rule, die es Netzwerken weitgehend untersagte, Programme auszustrahlen, an denen sie ein finanzielles Interesse hatten.

Sagansky sprach von „der unglaublichen Kreativität und dem Erfolg, die aus der Fin-Syn-Regel hervorgegangen sind“, als die Studios das erste Fenster ihrer Shows an die Netzwerke lizenzierten, aber das zweite Fenster und international auf Dauer schuldeten.

„Die nächsten vierzig Jahre nach 1970 waren wirklich das goldene Zeitalter des Produzenteneigentums“, sagte er.

Neben der Fin-Syn-Regel, die die Gründung von Indie-Kraftpaketen wie MTM, Viacom und den Unternehmen von Aaron Spelling, Stephen J. Cannell und Norman Lear beflügelte, machten mehrere andere Faktoren den Besitz von Shows „zunehmend wertvoll“, bemerkte Sagansky. einschließlich des Aufstiegs von Kabel in den 1980er Jahren, das zu einem wichtigen Abnehmer von Off-Network-Programmen wurde, der Öffnung des internationalen Fernsehmarktes nach der TV-Privatisierung in Europa und Asien in den 1990er Jahren und dem DVD-Boom in den späten 1990er und frühen 2000er Jahren, mit Shows, die bis zu 600.000 US-Dollar pro Folge an DVD-Verkäufen einbringen.

Bis 2010 erzielten erfolgreiche Serien einen Gewinn von 1,5 Millionen US-Dollar und mehr pro Folge – und Produzenten, Autoren, Regisseure und Schauspieler beteiligten sich alle an den Früchten ihrer Arbeit“, sagte Sagansky.

„Dann wurde ab 2010, als Netflix das Streaming einführte, eine Neutronenbombe auf das Geschäft abgeworfen“, sagte Sagansky. „Plötzlich änderte sich das Kalkül des TV-Geschäfts sehr schnell.“

Unterstützt durch die Netzneutralität und die anfängliche Bereitschaft der Fernsehstudios, ihre Inhalte gegen geringe Gebühren an Netflix zu lizenzieren, setzte sich das Streaming schnell durch, aber die traditionellen Medienunternehmen änderten bald den Kurs und konzentrierten sich angesichts einer schwindenden Linearität auf ihre eigenen Direct-to-Consumer-Plattformen TV-Universum als Folge eines sich beschleunigenden Kabelbruchs.

Von Hollywoods ursprünglich sieben Studios – jetzt sechs – sind alle außer Sony an eine Streaming-Plattform gebunden, die Disney, Warner Bros. Discovery, Paramount und NBCUniversal gehört.

„Diese Studios sind Teil großer ummauerter Gärten, in denen der Hauptmeister, dem sie dienen, ihre strömenden Arme sind“, sagte Sagansky. „Und irgendwie haben sie alle schnell das Netflix-Produktionsmodell angenommen, das verlangt, 100 % von allem zu besitzen, was von den Netflix Studios produziert wird, ‚in den meisten Fällen das Backend der Produzenten im Voraus aufzukaufen‘.“

Die Verbreitung des sogenannten „Kosten-Plus“-Modells über die ursprünglich im Silicon Valley ansässigen Streamer Netflix und Amazon hinaus geschah sehr schnell und schleichend über ein paar Jahre hinweg, größtenteils während die Writers Guild und die großen Talentagenturen uneins waren und die Autoren nicht vertreten durch Agenten, beachten Branchenbeobachter.

Während Shows in der alten linearen Welt ihre ursprünglichen Netzwerkausstrahlungen erhielten, bevor sie in den Tresorraum des Studios zurückkehrten, um auf ein zweites Fenster und internationale Läufe zu warten, werden Serien jetzt so ziemlich für den Rest der Ewigkeit auf Server hochgeladen, wobei Streamer verfolgen können, wer sie sieht wann, wo und wie lange. Das Paradigma wirft Fragen von Sagansky auf, die kartellrechtliche Bedenken widerspiegeln.

„So viele Informationen und Daten hatten wir noch nie seit Beginn des Mediengeschäfts. Ist es also im Entferntesten gerecht, dass das Produkt auf Dauer aufgekauft wird, nur weil diese Streamer/Studios zusammengearbeitet haben, um Sie daran zu hindern, das Backend zu genießen?“, sagte er. „Hat die Producers Guild oder Directors Guild oder Writers Guild oder SAG-AFTRA jemals mit diesen Mediengiganten über das Ende von mehr als 50 Jahren Backend-Eigentum verhandelt? Dies sind einige der größten Medienunternehmen der Welt – sie können es sich nicht leisten, an den Gewinnen all dieser Shows teilzuhaben, an deren Erstellung sie keine Rolle spielen?“

Er machte einen weiteren Kommentar, der an die Monopol-Terminologie erinnerte, als er erklärte, warum sich das neue Modell, das Backend de facto eliminiert, durchgesetzt hat.

„Erstens wollen diese Streaming-Dienste alle global sein, also wollen die Streamer weltweite Rechte, und zweitens, da Rundfunk und Kabel an Bedeutung verlieren, verfügt Streaming über den größten Teil der Programmdollar und in einem Oligopol, wenn die Hauptakteure alle nachfragen und dasselbe Modell durchzusetzen, ist es für einen Produzenten unmöglich, das Zwangsverhalten zu brechen.“

Während es in den frühen Tagen des Streamings „riesige Buyout-Prämien gab, die in einigen Fällen möglicherweise nahe an die Backends für einige Hit-Shows herangekommen sind, gehe ich davon aus – und wir sehen es jetzt –, dass diese Buyout-Prämien dramatisch sinken werden , und ich sage weiter voraus, dass diese großen Geschäfte mit den Markenherstellern ebenfalls verschwinden werden, wenn sich die Streamer konsolidieren und das Wettbewerbsumfeld um 3 oder 4 große Dienste herum zusammenwächst“, sagte Sagansky.

Genau das ist vor 50 Jahren passiert, mit einem großen Unterschied, bemerkte er.

„Während vor 50 Jahren die Produzenten und Studios zusammen kämpften, dienen diese Studios heute alle diesen Streaming-Giganten“, sagte er. „Die Verbindung zwischen Produzent und Studio, die in den letzten 50 oder 60 Jahren einem gemeinsamen Zweck gedient hat, ist unwiderruflich gebrochen. Die Studios sind glücklich, die kreative Gemeinschaft in die Leibeigenschaft zu verbannen – gib mir das Beste, was du hast, und verschwinde. Wir möchten nicht, dass Sie an den Vorteilen dessen teilhaben, was Sie geschaffen haben.“

Da die Aussichten für kreative Talente so düster sind, sieht Sagansky einen Weg nach vorne, und zwar darin, die Regierung einzubeziehen.

„Die kreative Gemeinschaft – die Produzenten, Autoren, Schauspieler und Regisseure – und wage ich zu sagen, die Talentagenturen – müssen zum Justizministerium und zum Kongress gehen, um gegen dieses wettbewerbswidrige Verhalten zu argumentieren“, sagte er. „Keine frühe Aufgabe, all diese unterschiedlichen Gruppen zusammenzubringen, aber dies könnte der einzige Weg sein, um gleiche Wettbewerbsbedingungen zu schaffen.“